I migliori film classici su HBO Max

HBO Max è qui, e per coloro che sono desiderosi di rivisitare Amici per l'ennesima volta o aspetta con pazienza 'il taglio di Snyder' di Lega della Giustizia essere effettivamente voluto in esistenza, questa è una buona notizia. Tuttavia, per gli appassionati di cinema di un certo tipo, la cosa più eccitante del nuovo servizio di streaming è il suo accesso a quella che è probabilmente la più ricca collezione di classici di Hollywood al mondo.

Non dal morte inutile FilmStruck c'è stato un servizio di streaming con questo livello di densità cinematografica classica. Con l'accesso al caveau della Warner Bros. di Golden Age Hollywood, così come tutti i diritti cinematografici della MGM pre-1986 che Ted Turner ha acquistato da quello che un tempo era il più grande studio del quartiere, c'è una grande varietà a disposizione di HBO Max. Collaborando anche con la Criterion Collection, HBO Max è un paradiso per gli amanti del cinema.

Per motivi di chiarezza questo elenco si concentrerà principalmente sui classici di Hollywood prodotti durante la proverbiale età dell'oro (tra gli anni '20 e '60) o l'inizio di New Hollywood durante gli anni '70, che a questo punto sembra anche un'età dell'oro perduta tutto suo. Quindi rilassati mentre ti guidiamo attraverso alcune delle molte opzioni.



Stazione spaziale a Stanley Kubrick

2001: Odissea nello spazio (1968)

Per tutta la sua carriera, Stanley Kubrick ha detto che voleva cambiare il modo in cui le persone facevano film, e ci è riuscito con l'incredibile risultato di 2001: Odissea nello spazio . Raccontare un'epopea interstellare che inizia con la nascita dell'uomo e termina con un tipo enigmatico di primo contatto oltre una porta stellare su una delle lune di Giove, 2001 è una fantasia psichedelica di immagini che ancora perseguita il suo intero mezzo. Con una visione che si alterna tra la grandezza affascinante mentre le stazioni spaziali ondeggiano al valzer 'The Blue Danube' e il terrore primordiale dell'obsolescenza tecnologica - personificato dalla voce disincarnata del computer HAL 9000 - questo è uno per i secoli.

42a strada (1932)

42a strada (1932)

Un film importante nella storia del musical -se non necessariamente il più grande esempio di uno- 42a strada ha il merito di aver inventato il 'musical dietro le quinte' e i tanti tropi che sarebbero presto diventati cliché nei successivi 30 anni. Questo ha tutto: un direttore musicale sfortunato che sta mettendo a rischio la propria salute per assicurarsi che nasca una stella; un'inversione di casting dell'ultimo minuto nella serata di apertura; e l'ingenua ingenua che 'esce da giovane ma torna una star'. Sì, c'è anche quella linea. Vale davvero la pena guardare il numero musicale del titolo '42nd Street', anche se il genere era ancora lontano alcuni anni da Fred e Ginger che effettivamente facevano mosse da star mentre ballavano guancia a guancia.

Probabilmente la più grande delle collaborazioni di Spencer Tracy e Katharine Hepburn, Costolette di Adamo è la commedia romantica diretta da George Cukor che mostrava una coppia di avvocati sposati andare in guerra in aula. Non proprio una commedia pazzesca, il film ha un vantaggio tangibile con la sua visione di ingannevole felicità coniugale che viene capovolta perché l'Adam di Spence è sbalordito che sua moglie Amanda (Hepburn) vorrebbe occuparsi del caso di Doris Attinger (Judy Holliday). Doris è una donna accusata di tentato omicidio dopo aver sparato alla spalla del marito dopo aver scoperto che aveva una relazione. Ma forse Adam è solo seccato dal momento che sta perseguendo Doris e ora dovrà affrontare sua moglie con un giudice tra di loro? Sì, l'installazione ha ancora morso 70 anni dopo.

Martin Sheen in Acqua in Apocalypse Now

Apocalypse Now (1979)

Sicuramente un film di New Hollywood, Apocalisse ora è il sogno della febbre sofferto da Francis Ford Coppola dopo anni nella giungla filippina perdendo lentamente la testa. È andato lì per girare un film sulla guerra del Vietnam liberamente ispirato a quello di Joseph Conrad Cuore di tenebra —un'idea nata da John Milius e George Lucas quasi 10 anni prima, quando era ancora in corso la guerra del Vietnam, ed è lì che volevano girare!—ma è tornato con qualcosa di più esoterico e scivoloso di quello. Con immagini mozzafiato di Hueys americani che scendono sui villaggi del Vietnam del Nord fino a Wagner e Martin Sheen che salgono dalla melma primordiale come Lazzaro dopo un attacco di cuore (storia vera: Martin Sheen ha avuto un attacco di cuore durante le riprese), questa è roba da incubi.

Vivien Leigh e Marlon Brando in Un tram che si chiama desiderio

Un tram chiamato desiderio (1951)

L'adattamento cinematografico di Elia Kazan dell'opera teatrale vincitrice del Premio Pulitzer di Tennessee Williams rimane una parabola dolorosamente cruda sul pericolo di fare affidamento sulla gentilezza degli estranei. Si pone anche come un affascinante crocevia nel cinema di Hollywood dal momento che Marlon Brando interpreta il brutale Stanley Kowalski e Vivien Leigh è Blanche Dubois, un'anziana Belle del sud che è sulla sua ultima corda quando si trasferisce con sua sorella / la moglie di Stanley, Stella (Kim Hunter). Il film ha così come protagonista il volto di una nuova generazione di recitazione in Brando e l'icona il cui volto ha adornato le locandine del più grande successo hollywoodiano di tutti i tempi, Via col vento . La sua performance da vecchia scuola contrasta brillantemente con le frustate più istintive di Brando, proprio come Blanche si ritrova persa e muore lentamente in un mondo che non capisce più.

Charlton Heston Corsa delle bighe a Ben-Hur

Ben Hur (1959)

Al regista William Wyler piaceva dire che 'ci voleva un ebreo per fare un buon film su Cristo', ma anche allora è modesto. Il suo adattamento del romanzo di Lee Wallace del 1880 e il remake di un film muto del 1925 con lo stesso nome, rimane il miglior film mai realizzato sulla vita e sui tempi di Gesù, anche se non vediamo mai il volto del messia né lo sentiamo dire una parola. Piuttosto questo è il rumore di fondo dell'epica saga di Judah Ben-Hur (Charlton Heston fa del suo meglio per personificare una statua di marmo), un principe ebreo accusato ingiustamente dal suo amico d'infanzia romano e condannato alla schiavitù. Combatte per liberarsi dalla schiavitù e raggiunge le vette del potere e dei consensi romani, in particolare quando guida una corsa di carri in una delle più grandi sequenze d'azione mai girate in spettacolari 70 mm. Oh sì, e alla fine viene salvato o qualcosa del genere da un ragazzo sulla croce.

Faye Dunaway e Warren Beatty in Bonnie & Clyde

Bonnie e Clyde (1967)

Uno dei film a cui viene ironicamente attribuito il merito di aver abbattuto il vecchio modo soffocante di fare film durante la 'Golden Age', Bonnie & Clyde ora rappresenta uno dei più grandi successi del settore negli anni '60. Con una verosimiglianza fondata che sembrava rivoluzionaria nel '67, il film segue una rappresentazione altamente romanzata dei rapinatori di banche nella vita reale Bonnie e Clyde trasformandoli in giovani eroi popolari anti-establishment perfetti per la generazione del Vietnam. Nel bene e nel male, ha cementato il potere da star di Warren Beatty facendo di Faye Dunaway una star. È stato anche il film americano più violento mai realizzato quando è stato rilasciato, e le morti di Bonnie e Clyde continuano a produrre un'ondata viscerale ogni volta che un altro foro di proiettile viene fatto nei corpi dei suoi eroi.

Katharine Hepburn e Cary Grant in Bringing Up Baby

Alzando il bambino (1938)

La commedia pazzesca per eccellenza, Allevare il bambino chiede cosa ottieni quando unisci Cary Grant, Katharine Hepburn e un leopardo di nome Baby? Felicità cinematografica. Con il leggendario orecchio di Howard Hawks per i dialoghi veloci del ratatattat della pistola Tommy e una premessa leggera e accattivante su un paleontologo appassionato di libri e un debuttante volubile che corre per il Connecticut alla ricerca di un fossile di dinosauro sepolto dal cane, questo è a dir poco perfetto.

Humphrey Bogart e Ingrid Bergman a Casablanca

Casablanca (1942)

Se hai intenzione di vedere solo un film realizzato prima del 1950, probabilmente dovrebbe essere questo. Un capolavoro del sistema hollywoodiano che spara su tutti i cilindri, tutto è soprannaturalmente perfetto casa Bianca . La regia di Michael Curtiz è al suo meglio in quanto atterra ogni singolo brivido e gioco di parole spiritoso nella sceneggiatura dei fratelli Epstein; Claude Rains è il più sardonico nei panni del capitano francese, moralmente flessibile, Louis Renault; Humphrey Bogart e Ingrid Bergman sfrigolano come amanti sfortunati che avranno sempre Parigi ma nient'altro dopo il ritorno del marito presumibilmente morto da un campo di concentramento nazista; e il patriottismo di entrambe le nazionalità americana e francese, assediata dalla minaccia del nazismo durante il culmine della seconda guerra mondiale, si impenna.

Certo, la versione malinconica di 'As Time Goes By' di Dooley Wilson è diventata uno standard per una ragione, ma è la scena in cui veri attori francesi cantano 'La Marsigliese' mentre i loro personaggi sono sotto l'occupazione tedesca che ti farà venire voglia di alzarti in piedi e applaudire.

Orson Welles in Il cittadino Kane

Il cittadino Kane (1941)

AFI ha chiamato Cittadino Kane il più grande film mai realizzato. Anche se potrei fermarmi a questo elogio, è sicuramente una delle immagini più importanti e innovative mai prodotte. Infrangendo il modo standard in cui i film in studio venivano prodotti in serie, lo scrittore-regista-attore Orson Welles (e il direttore della fotografia Gregg Toland, a cui Welles ha dato la stessa fatturazione) ha reinventato il modo in cui i film potrebbero essere realizzati e come un regista potrebbe lasciare un'impronta autoriale. Con la sua cinematografia ben focalizzata e l'illuminazione delle ombre ad alto contrasto, Cittadino Kane coniugato un nuovo vernacolo visivo nella sua satira sottilmente velata / takedown di William Randolph Hearst e giornalismo giallo. È una storia americana di corruzione e la morte dei migliori piani. Si può riferire oggi.

Virginia Cherrill e Charlie Chaplin in Luci della città (1931)

Luci della città (1931)

Probabilmente la migliore commedia di Charlie Chaplin, Luci della città è sicuramente un risultato audace considerando che è uscito nel '31. Nonostante l'intera industria impazzisca per il sonoro anni dopo Il cantante jazz , Chaplin ha insistito per mantenere la sua visione di un altro film muto per il suo alter-ego sullo schermo, il vagabondo. Tuttavia, ha usato innovazioni nel suono per scrivere personalmente la colonna sonora del suo film per la prima volta. Il risultato è una storia d'amore lirica sul vagabondo che si innamora di una fioraia cieca (Virginia Cherrill) nella grande città. Con vignette poetiche di pattinaggio e sogni ad occhi aperti, il film è considerato la commedia preferita di Orson Welles, Stanley Kubrick e Woody Allen.

Paul Newman in Cool Hand Luke

Luke mano fredda (1967)

Quello che abbiamo qui è l'incapacità di comunicare. Questo è ciò che il capitano di Strother Martin amava opinare ogni volta che Luke di Paul Newman, un detenuto in una banda a catena, mostrava insubordinazione. Basti dire che il fallimento ha tormentato i due fino alla fine di questo provocatorio dramma carcerario del '67 che sovverte il cliché americano del ribelle solitario portandolo al suo estremo più patetico e inevitabile. Lungo la strada, però, è divertente vedere tutte quelle uova sode che vengono mangiate.

War Room nel Dr. Stranamore

Il dottor Stranamore o: come ho imparato a smettere di preoccuparmi e ad amare la bomba (1964)

La satira della Guerra Fredda di Stanley Kubrick potrebbe essere ancora la commedia più sovversiva uscita dal sistema degli studi di Hollywood. Liberamente ispirato al romanzo mortalmente serio di Peter George Allarme rosso , Il dottor Stranamore prende per il culo le pretese del Pentagono e le razionalizzazioni dei think tank per la guerra nucleare appena due anni dopo la crisi missilistica cubana. Girato in bianco e nero, tanto meglio per assomigliare ai cupi drammi da esca degli Oscar del suo tempo, Kubrick presenta la sua farsa con una faccia seria fino a quando Peter Sellers (in uno dei tre ruoli) entra nella stanza della guerra del presidente come un Sieg Heil-ing scienziato nazista che trascinerà il governo americano nelle caverne per i prossimi 50 anni mentre le bombe cadono su Mosca. Trasforma il cinismo in una forma d'arte e le nuvole di funghi nell'abbraccio di un amante.

Freaks (1932) diretto da Tod Brownings

Freak (1932)

Il classico horror di Tod Browning potrebbe non essere politicamente corretto per gli standard moderni, ma ti farà gelare il sangue lo stesso. Il film parla di una bellissima trapezista (Leila Hyams) che sposa il leader del suo circo (Wallace Ford) per l'eredità. All'inizio viene abbracciata dai deformi e disabili 'freaks' del baraccone. Ma dopo aver appreso la verità calcolatrice, vengono per lei cantando: 'Uno di noi'. Il finale farà comunque rizzare i peli sulla tua pelle.

Scarlett O

Via col vento (1939)

David O. Selznick's ampio adattamento in technicolor del romanzo di Margaret Mitchell manterrà per sempre il suo status di film più popolare mai prodotto. Seriamente, quando aggiustato per l'inflazione ha venduto più biglietti di Avengers: Endgame e L'ascesa di Skywalker combinato. Tuttavia, è anche incredibilmente datato con la sua rappresentazione disonesta dell'Antebellum South e della mitologia 'Lost Cause' che finge che la schiavitù non fosse così male, e che il Sud si separò per nobili ragioni e non per mantenere i neri americani in un'orribile schiavitù.

È del tutto comprensibile se questo film è inguardabile per te per questi motivi, ma come opera d'arte cinematografica è ancora una favola avvincente raccontata con l'apice della produzione hollywoodiana degli anni '30. Vivien Leigh è una leggenda per la sua interpretazione atipica di un'antieroina profondamente imperfetta che sopravvive alla Guerra Civile e alla Ricostruzione con ogni mezzo necessario, e il modo in cui il punteggio elegiaco di Max Steiner si gonfia intorno a lei mentre Atlanta cade e lei deve guadare migliaia di morti e le comparse morenti sono ancora una testimonianza del potere del cinema, così come l'ira biblica del generale dell'Unione William Tecumseh Sherman mentre quella città viene poi consumata dalle fiamme.

Harold e Maude (1971)

Harold e Maude (1971)

La più anticonvenzionale delle storie d'amore, Harold e Maude è la commedia romantica sfacciata di Hal Ashby su un giovane uomo (Bud Cort) che si innamora di un tanto donna anziana (Ruth Gordon). Sicuramente un film che ha abbracciato la controcultura della sua epoca, Harold e Maude è anche invecchiato molto bene come una storia d'amore dolcemente eccentrica che cerca di provocare con i suoi 91 minuti di consegna impassibile.

King Kong sull

King Kong (1933)

Ancora il miglior film sui 'mostri giganti' mai realizzato, il film sulla grande scimmia di Merian C. Cooper ha attinto a qualcosa di mitico (e problematicamente primordiale) nella sua visione di un gorilla uscito dai filati di avventura colonialista del XIX secolo che scalava l'apice letterale dell'ingegnosità dell'inizio del XX secolo quando Kong è salito sull'Empire State Building. Più che il film d'avventura definitivo della Depressione, ha ispirato tutto ciò che è venuto dopo Godzilla per Jurassic Park . Inoltre, si erge ancora in alto tra i suoi discendenti con uno pseudo-romanzo 'La bella e la bestia' tra Kong e i famigerati polmoni stridenti di Fay Wray. Nonostante le connotazioni razziali, King Kong è davvero l'ottava meraviglia del mondo.

Il film che ha fatto vincere a Sidney Poitier l'Oscar come miglior attore—la prima volta per un uomo di colore— gigli del campo è una parabola su un uomo di nome Homer che viene persuaso da alcune suore tedesche sorprendentemente disoneste a costruire loro una cappella in Arizona. Poitier cresce da tuttofare non pagato a apparente dono di Dio - il titolo è citato dal Sermone sul Monte del Nuovo Testamento - ma è davvero la sua performance che porta dimensionalità a quello che altrimenti sarebbe un archetipo ben intenzionato creato dagli uomini bianchi. Un film progressista per gli anni di Kennedy, è Poitier che mantiene la sua intensità oggi.

Howard Beale in Rete

Rete (1976)

La satira misteriosamente profetica del regista Sidney Lumet e dello sceneggiatore Paddy Chayefsky sulla corporatizzazione e la corruzione dei media è più potente che mai. Questo film post-Watergate ha predetto la minaccia di Fox News, infotainment e reality televisivi decenni prima del loro inizio. E una testimonianza della sua eredità è che il 'Sono pazzo come l'inferno e non lo prenderò più!' lo slogan è pronunciato da Howard Beale (Peter Finch), un giornalista che ha avuto un crollo mentale ed è diventato pazzo furioso. Il suo sfogo, tuttavia, fa appello agli americani privati ​​degli anni '70 e viene poi trasformato dalla sua rete in uno slogan vuoto di adesivo per paraurti, proprio come viene utilizzato fino ad oggi dagli opinion leader parlanti.

... e questo è solo il primo atto di un film che culmina in Beale che diventa un telepredicatore (prima che fosse una cosa) dove predica la parola dei suoi padroni aziendali fino al giorno in cui le sue valutazioni scivolano e viene successivamente giustiziato in diretta TV per un urto le valutazioni.

Cary Grant in Alfred Hitchcock

Nord da nordovest (1959)

Alfred Hitchcock L'entusiasmante spionaggio di spionaggio è stato un pioniere ai suoi tempi, probabilmente contribuendo a ispirare il tono dei film di James Bond che hanno avuto inizio alcuni anni dopo tanto quanto i romanzi di Ian Fleming. Con la sua trama familiare su identità sbagliate e spionaggio femme fatales, Nord per Nordovest è alimentato dal ritmo frenetico delle sue sequenze di inseguimento campestre in cui un milquetoast Cary Grant deve cogliere l'occasione di diventare un uomo del mistero internazionale se spera di salvare la ragazza da un arrogante James Mason mentre salta attraverso le pareti rocciose di Monte Rushmore!

Stanley Kubrick

Sentieri di gloria (1957)

Prima che ci fosse 1917 , c'era Sentieri di gloria . Il film rivoluzionario di Stanley Kubrick sulla prima guerra mondiale è ancora un risultato straordinario con le sue lunghe inquadrature in tutta la rete di trincee del fronte occidentale e l'inferno tortuoso di coloro che vi sono intrappolati. La sua telecamera segue Kirk Douglas nei panni del colonnello Dax, un ufficiale in comando che deve difendere i suoi uomini che sono stati accusati di un atto di codardia perché hanno ignorato gli ordini di attaccare una posizione nemica in quella che sicuramente sarebbe stata una missione suicida. Un film contro la guerra prima di quello era una cosa comune a Hollywood, Sentieri di gloria rimane uno dei quadri più viscerali sulla Grande Guerra che avrebbe dovuto porre fine a tutte le guerre.

James Dean in Ribelle senza una causa (1955)

Ribelle senza una causa (1955)

Il secondo degli unici tre film di James Dean, Ribelle senza un motivo è probabilmente la sua immagine più famosa. Focalizzata sulla natura rauca della 'giovinezza' durante il primo decennio, la generazione della seconda guerra mondiale ha dovuto fare i conti con la crescita dei propri figli, Ribelle senza un motivo è un film di Nicholas Ray con una reputazione che direi un po' più grande del suo vero merito. Con alcune performance straordinarie e rivoluzionarie di Dean e Natalie Wood (che ha avuto una relazione con Ray nel film nonostante fosse minorenne), il film ha tentato di trovare una voce per l'inarticolata miseria del raggiungimento della maggiore età e della richiesta di conformarsi. Tuttavia, questo motivo è stato realizzato meglio in film che non si consideravano necessariamente importanti con la 'I' maiuscola in seguito.

Gene Kelly in Singin

Cantando sotto la pioggia (1952)

Quello che direi è il miglior film musicale mai realizzato , Cantando sotto la pioggia è come ballare alla luce delle stelle. Il risultato della perfetta armonia tra la famosa unità Arthur Freed della MGM per i musical cinematografici, l'incessante danza trasformata in atletica leggera di Gene Kelly e l'inquadratura sbarazzina del regista Stanley Donen, questo è affascinante come le fantasie di Hollywood. L'essenza è che è un film sull'avvento del suono nella Hollywood degli anni '20 in cui una vecchia star del cinema (Kelly) si innamora di un'aspirante attrice (Debbie Reynolds), che ha solo bisogno di un ruolo da protagonista.

Farla in quel momento si imbatte in dirottamenti, come se fosse costretta a doppiare la sua co-protagonista analfabeta dell'era silenziosa (una deliziosamente pavoneggiata Jean Hagen). Ma in realtà è una scusa per sguazzare nel technicolor tanto quanto i primi sonori hanno fatto nella musica, e per estrarre il suono delle migliori canzoni di Hollywood dei primi tempi, inclusa la co-scritta da Arthur Freed 'Singin' in the Rain'. Solo ora la canzone diventa uno standard di tutti i tempi poiché Kelly la canta con il raffreddore mentre salta in un backlot inondato d'acqua.

John Wayne in Stagecoach (1939)

Diligenza (1939)

Il film che ha dato vita a una delle più importanti collaborazioni tra registi e star della storia del cinema, Diligenza è il western che ha unito John Ford con l'allora sconosciuto John Wayne. L'intuizione cinetica di Ford su come incastrare un uomo a cavallo nella Monument Valley, così come la vulnerabilità sottovalutata di Duke nonostante sia 'un grande uomo', hanno creato molte immagini mitiche, tra cui l'ingresso più grande della vita di Wayne qui come Ringo Kid. Ma Wayne è solo una parte di un insieme di estranei disparati, alcuni che hanno combattuto per l'Unione e altri per la Confederazione, intrappolati insieme per un fatidico viaggio in diligenza attraverso il paese degli Apache. Ti è piaciuto Lucciola ? Quello era Diligenza nello spazio.

Le avventure di Robin Hood Errol Flynn

Le avventure di Robin Hood (1938)

Oltre 80 anni dopo e ancora il miglior film di Robin Hood, Le avventure di Robin Hood è lo spavaldo definitivo. Riunendo il regista Michael Curtiz con il suo Capitano Blood stelle Errol Flynn e Olivia de Havilland, Warner Bros. ha catturato un fulmine in una bottiglia con questo evento in technicolor. Consolidando l'immagine di Flynn come il principe dei ladri e il principe dei ladri che indossa calze verdi mentre si dondola tra gli alberi di Sherwood, questo Robin Hood colpisce tutte le note di grazia delle leggende più popolari pur essendo una gioia da guardare farlo. Inoltre, l'uso di sagome d'ombra per lo scontro finale con la spada? Brillante.

Charlie Chaplin ne Il grande dittatore

Il grande dittatore (1940)

Il mio film preferito di Charlie Chaplin, Il grande dittatore è un film che lo scrittore-regista-produttore-star si è poi pentito di aver appreso la vastità dell'Olocausto. Comunque sia, la sua volontà di deridere Hitler e il fascismo in un momento in cui molti americani volevano tenersi fuori dalla seconda guerra mondiale (e la maggior parte degli studi non voleva turbare nessuno) rende Il grande dittatore un atto di coraggio. Inoltre, è davvero divertente quando Hynkel di Chaplin, il dittatore immaginario di una terra chiamata Tomania, balla amorevolmente con un pallone a forma di mondo che vuole conquistare. E poi può essere profondamente commovente, specialmente di questi tempi, quando l'altro ruolo di Chaplin come barbiere ebreo viene scambiato per Hynkel e usa un'improvvisa piattaforma globale per parlare alla telecamera - una rarità per Chaplin - e denunciare 'uomini innaturali, uomini macchina con menti macchina e cuori macchina”.

Humphrey Bogart nel finale di Il falco maltese

Il falco maltese (1941)

Probabilmente il primo film nel movimento del film noir e l'immagine che ha reso Humphrey Bogart una star e John Huston un regista di serie A, Il falco maltese è un crogiolo definitivo su uffici investigativi intrisi di gin e relazioni mortali. Interpreta Bogie nei panni di Sam Spade, un gumshoe di San Francisco che diventa il sospettato numero uno dopo che il suo partner non amato finisce morto in un vicolo. Non che metta minimamente in difficoltà Sam, né gli occhi che arrivano qui di Ms. O'Shaughnessy di Mary Astor o la palese imprecisione di Peter Lorre e i personaggi di Sydney Greenstreet che aspettano dietro le quinte. Questo film gode di uno dei migliori finali cinematografici di tutti i tempi e sarà per sempre la materia di cui sono fatti i sogni.

Jimmy Stewart e Doris Day in L

L'uomo che sapeva troppo (1956)

Un altro degli sforzi degli anni '50 costellati di star di Alfred Hitchcock incentrato sull'identità sbagliata, questo vede l'uomo di famiglia Benjamin (Jimmy Stewart) gettato nel profondo dello spionaggio pugnalato alle spalle dopo che un conoscente si rivela essere una spia, sussurrando informazioni sulla vita o sulla morte tra le braccia di Ben con il suo ultimo respiro. Queste informazioni portano al rapimento del figlio di Benjamin e della moglie Josephine (Doris Day) e al ricatto della coppia in una trama che culmina con la notte più emozionante alla sinfonia che potresti mai sperimentare. Di nuovo uno degli sforzi più leggeri di Hitch, ma anche quando è leggero è ancora pieno di suspense.

Cary Grant Katharine Hepburn e Jimmy Stewart in The Philadelphia Story

La storia di Filadelfia (1940)

Un'altra delle grandi commedie folli di tutti i tempi, George Cukor's La storia di Filadelfia ha riassemblato Cary Grant con Katharine Hepburn per ottenere un effetto sublime. Ambientato nell'aria rarefatta del sangue blu della costa orientale, quindi un vero e proprio tratto per Hepburn, il film si apre con Dexter di Grant e Tracy Lord di Hepburn divorziati ma ancora nelle vite dell'altro in quel modo leggermente incestuoso che si vede nei country club sulla costa orientale. Non che il resto della sua famiglia pensi: amano Dex molto più dell'uomo che sta per sposare nell'arrampicata sociale George Kittredge (John Howard). Quel matrimonio sarà l'evento della stagione, tuttavia, e attrae persino il giornalista dal naso duro Mike Connor (Jimmy Stewart) nella tenuta di famiglia per il fine settimana. Ne conseguono dirottamenti, elevate quantità di alcol e incidenti che fanno alzare le sopracciglia.

John Wayne in The Searchers Ending

I cercatori (1956)

Come miglior film di John Ford, I ricercatori è stato il suo primo serio tentativo di fare i conti con il bigottismo indiano antiamericano dei suoi film precedenti. È anche un'epopea travolgente di vendetta e identità culturale che risuona oggi. Anche la migliore vetrina del talento di John Wayne, il film vede il Duca nei panni di Ethan Edwards, un brutto figlio di puttana razzista che è appena tornato a casa dalla lotta per la Confederazione solo per vedere la famiglia texana di suo fratello massacrata dagli indiani Comanche. Bene, tutti tranne la bambina di suo fratello, Debbie.

È così che Ethan e il mezzo Cherokee Martin Pawley (Jeffrey Hunter), che era un figlio adottivo della famiglia, intraprendono una missione omerica per salvare Debbie. Ma con il passare degli anni, e l'adulta Debbie (Natalie Wood) diventa una giovane donna sposata con uno dei suoi rapitori indiani, quella che diventa una missione di vendetta si trasforma in qualcosa di più oscuro mentre Ethan progetta di uccidere sua nipote 'rovinata' e Martin persevera nel salvala da Ethan. Per tutto il tempo, Ford realizza la fotografia più spietatamente bella della Monument Valley mai impegnata in un film.

Humphrey Bogart ne Il tesoro della Sierra Madre

Il tesoro della Sierra Madre (1948)

Il film con la migliore interpretazione di Humphrey Bogart, Il tesoro della Sierra Madre ispirato Indiana Jones, solo che questa versione di Indy è un vecchio bastardo. Il suo nome è Frank C. Dobbs, ed è un ubriacone lavato in Messico quando gli viene in mente l'idea che ci sia dell'oro in quelle colline tra le montagne della Sierra Madre. Così lui e un altro avventuriero americano arruolano il vecchio cercatore di Walter Huston per portarli sulle colline per estrarre l'oro. I problemi si verificano solo quando lo trovano, e Dobbs in particolare inizia a valutare il valore degli altri e se riescono a tornare in città sani e salvi. È anche il preferito dallo sceneggiatore e regista John Huston.

Judy Garland ne Il mago di Oz

Il mago di Oz (1939)

Un altro classico fuori dall'apice del periodo d'oro di MGM, Il mago di Oz è il capolavoro che ha trasformato la svolta di L. Frank Baum nel romanzo fantasy americano specifico del XX secolo in un sogno senza età per tutte le generazioni future. Con splendidi technicolor, canzoni da verme e una svolta da star dell'adolescente Judy Garland, questo è un film che ogni epoca di genitori continua a trasmettere ai propri figli per una ragione. Questo è tanto più miracoloso se si considera che la MGM ha quasi tagliato 'Somewhere Over the Rainbow' perché pensavano che la canzone fosse troppo triste per i più piccoli.

Ma questo è solo un assaggio di tutti i film classici su HBO Max. Per questo motivo, di seguito è riportato un elenco di molti altri all-times che abbiamo lasciato, così come alcuni capolavori stranieri del passato su cui non dovresti dormire.

8 ½ (1963)

Una dura giornata di notte (1964)

Un americano a Parigi (1951)

È nata una stella (1954)

Ladri di biciclette (1948)

Narciso nero (1947)

Senza fiato (1960)

Carnevale delle anime (1962)

Cheyenne autunno (1964)

Harry sporco (1971)

Il dottor Zivago (1965)

Corrispondente estero (1940)

Gigante (1956)

Godzilla (1954)

Cercatori d'oro del 1933 (1933)

Cercatori d'oro del 1935 (1935)

Grandi aspettative (1946)

Lolita (1962)

Il signore delle mosche (1963)

L'amore nel pomeriggio (1972)

Tempi moderni (1935)

Ora, Voyager (1942)

Di topi e uomini (1939)

Oliver Twist (1948)

C'era una volta il West (1968)

Pat e Mike (1952)

Picnic a Hanging Rock (1975)

Pigmalione (1938)

Rashomon (1950)

Roma, Città Aperta (1946)

Sette Samurai (1956)

I 47 Ronin (1941)

Il settimo sigillo (1958)

Quella donna di Hamilton (1941)

I 39 gradini (1935)

I 400 colpi (1959)

La macchia (1958)

La fortezza nascosta (1959)

La signora scompare (1938)

Il gioco più pericoloso (1932)

La città nuda (1948)

La storia della monaca (1959)

Le scarpe rosse (1948)

Il ladro di Bagdad (1940)

Il processo di Giovanna d'Arco (1962)

Gli ombrelli di Cherbourg (1964)

Il mucchio selvaggio (1969)

Essere o non essere (1942)

Tom Jones (1963)

Donna dell'anno (1942)

Yojimbo (1961)