I migliori film musicali del 21° secolo

Con Il ritorno di Mary Poppins destinato a dominare il botteghino durante le festività natalizie, e Anna e l'Apocalisse guadagnandosi credito indipendente tra i fanatici del teatro e i gorehound di tutto il mondo, è giusto dire che il musical è tornato e più sano di quanto non sia stato da decenni. Abbiamo scritto in passato su come il Rinascimento Disney hanno gettato i semi per una nuova generazione di millennial per abbracciare i musical dopo che i loro genitori li hanno ampiamente rifiutati, e la prova non è mai stata più eclatante che negli ultimi anni.

Mentre il 21° secolo è iniziato con gli osservatori e i critici del settore che erano a bocca aperta sul fatto che gli adattamenti di Broadway e i musical jukebox potessero fare di nuovo grandi affari, oltre a essere contendenti a grandi premi, ora è normale vedere una manciata di fantasie con canzoni originali non solo ottenere rilasciati ogni anno ma poi diventano grandi fenomeni della cultura pop. Anche la necessità dei musical precedenti di usare melodie pop o offuscare l'uso di sequenze non diagetiche (in cui i personaggi possono esplodere casualmente in una canzone senza logica o una colonna sonora originale dietro di loro) è svanita. Il genere è ora semplicemente una sana alternativa per gli studi che vogliono diversificare i portafogli oltre a mantelli e reboot.

Per questo motivo, abbiamo assemblato un elenco di quelli che consideriamo umilmente i migliori musical cinematografici del 21° secolo. A differenza della nostra lista per musical classici dei film di Hollywood , includiamo Broadway e gli adattamenti teatrali in questo elenco, tuttavia escludiamo ancora i film strettamente animati o quelli che si basano solo sulla musica diagetica (cioè niente animazioni Disney o film biografici musicali incentrati sul palco, mi dispiace). Inoltre, tutte le voci devono essere uscite sul grande schermo e non film per la televisione o produzioni televisive 'live'. Ora passiamo al tocco di punta!



La La Land

Probabilmente il film più lodato in questa lista, diremmo anche noi La La Land è il migliore nonostante alcuni dei feroci contraccolpi la sua popolarità prodotta. È il film che gli ex compagni di stanza del college Damien Chazelle e Justin Hurwitz hanno sempre voluto realizzare, anche quando il rispettivo scrittore, regista e compositore ha prodotto Guy e Madeline su una panchina del parco nel 2009. La La Land ha mantenuto la promessa del potenziale di quell'indie, realizzando la sua visione rifacendosi al musical hollywoodiano della vecchia scuola nello stampo di Fred Astaire/Ginger Rogers e Arthur Freed. Le star moderne Ryan Gosling ed Emma Stone non sono certamente raffinate come Astaire-Rogers, o Gene Kelly e Debbie Reynolds, ma tale imperfezione sottolinea la brillantezza del film.

Essendo uno dei primi grandi musical cinematografici del secolo con un libro di canzoni completamente originale e nessun supporto IP come, ad esempio, Disney, l'immagine si libra sulla frizzante storia d'amore e chimica tra Gosling e Stone i cui duetti al tramonto riaccendono la semplice gioia di vedere stelle di una generazione precedente che ballano guancia a guancia. Eppure, le complessità della vita che non possono essere risolte da una ballata, tuttavia, invadono l'illusione. Alla fine, realtà e artificio si scontrano ma si completano nel loro valzer condiviso, portando a un finale amaro e agrodolce che offre il sogno ad occhi aperti in Technicolor di un tempo e qualcosa di un po' più adulto e vero, come epilogo finale. È una celebrazione del bisogno di sogni —compresi quelli fantasiosi che nei film non sono mai meglio di quando brillano su un palcoscenico — anche se possono solo saltare così lontano di fronte agli ostacoli del mondo reale. I sogni e la vita che addolciscono creano una dolce armonia, un'ovvietà che non si realizza meglio che nelle vibranti immagini di Chazelle e nella musica inquietante di Hurwitz.

Mulino Rosso!

Quello che ha dato il via a tutto nell'era moderna, Mulino Rosso! la resa traslucida a un'abbuffata di assenzio colse Hollywood di sorpresa quando questo collage di musica pop sperimentale si rivelò uno dei successi a sorpresa del 2001. Il genere musicale un tempo più morto della discoteca stava di nuovo attirando un pubblico relativamente ampio dal vivo- azione, un'impresa che è stata resa possibile dall'astuta scelta di Baz Luhrmann di utilizzare la maggior parte delle grandi 40 canzoni d'amore dei precedenti 35 anni. Certamente munge la tua familiarità con ogni artista da Sting e i Police a Madonna e i Beatles, ma la brillantezza di questo capolavoro si estende oltre i suoi brividi da jukebox di superficie.

Mulino Rosso! beneficia enormemente di Luhrmann all'apice della sua arte e all'apice della sua 'Trilogia del sipario rosso'. Indulgendo in eccesso dalla scenografia ai costumi sontuosi, lo sforzo incredibilmente anacronistico di Luhrmann trasforma il cinismo del 'montaggio di MTV' in una forma d'arte cercando di manipolare gli spettatori fino a raggiungere una frustrazione frenetica e un sovraccarico sensoriale durante i primi 20 minuti. In quel periodo, il film rimbalza da David Bowie a Julie Andrews, e poi anche ai Nirvana. In seguito, i realizzatori rimuovono lentamente la decadenza, strato dopo strato, fino a quando la maggior parte degli spettatori viene coinvolta in una storia d'amore operistica tra la cortigiana Satine (Nicole Kidman) e il suo scrittore squattrinato Christian (Ewan McGregor) mentre sono inghiottiti da ombre sparse.

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Un grandioso poema epico che fonde allegramente il melodramma del 19° secolo e gli stili di produzione cinematografica/musicale del tardo 20° secolo, comprese le allusioni a Bollywood, il film è un viaggio acido in cui i registi sono evidentemente pieni di sé. Ma è anche contagioso per la maggior parte del pubblico che non può negare l'acuta tragedia o la magistrale giustapposizione di elevata 'arte' e mercantilismo populista. Senza nessun altro film che gli piaccia davvero, Mulino Rosso! più che camminare sul filo del rasoio al di sopra di un potenziale disastro: lo attraversa a ruota di carro.

Sweeney Todd: Il diabolico barbiere di Fleet Street

L'adattamento di Broadway più drasticamente reinventato nella memoria recente - o forse mai - Sweeney Todd le sue audaci libertà sono anche il motivo per cui è la migliore in questo secolo. Particolarmente celebrato dal compositore e paroliere Stephen Sondheim, che ha approvato con entusiasmo la trasformazione di Tim Burton della sua commedia drammatica barocca in una tragedia horror puramente nichilista, Sweeney Todd è un'opera geniale che Burton ha contemplato per decenni. Probabilmente è anche per questo che è anche il suo ultimo grande film. Appoggiarsi all'orribile presunzione di un musical che parla di un barbiere vendicativo che uccide qualsiasi solitario che entra nel suo negozio e lasciare che la padrona di casa al piano di sotto, la signora Lovett, li cuocia in pasticci di carne, la versione cinematografica di Sweeney Todd ricorda più da vicino i film horror Universal degli anni '30 o i refrigeratori Val Lewton degli anni '40 che la tradizionale scenotecnica.

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Desaturato fino al punto quasi in bianco e nero, il film è punteggiato solo da una golosa porzione di rosso quando Sweeney taglia la gola aperta. Meno gli zampilli cremisi e il canto quasi da parete a parete, non c'è motivo per cui questa iterazione di Sweeney Todd non avrebbe potuto essere un veicolo stellare per Boris Karloff o Peter Lorre 70 anni prima. Così com'è, il film diventa un punto culminante per Johnny Depp che, quindi all'apice della popolarità, si trasforma in una performance introversa e minimalista che tuttavia trasuda carisma da rockstar. Caratterizzato da un lampo di capelli bianchi in omaggio a Sposa di Frankenstein , questa è la creazione più raccapricciante che l'attore o Burton abbiano mai realizzato, riprendendo l'agenzia di Sweeney dalla signora Lovett. Nel frattempo, il prosciutto imprenditoriale del palcoscenico diventa un trovatello non corrisposto come interpretato da Helena Bonham Carter. Questo cambiamento rende la relazione fatalistica tra lei e Mr. Todd cupa come le lacrime rosse versate dal rasoio di Sweeney e stranamente bella come quella stessa opera d'arte del Grand Guignol.

I Muppet/Muppet più ricercati

Ovviamente un ibrido di attori e burattinai, la coppia di Muppet i film prodotti dalla Disney tra il 2011 e il 2014 sono alcuni degli intrattenimenti per famiglie più puramente gioiosi della memoria recente. Creando un nuovo Muppet di nome Walter (Peter Linz), il film costituisce un intelligente punto di ingresso nel logoro mondo dei Mupetting con un estraneo che rimette insieme la band quando lui e suo fratello umano Gary (Jason Segal) devono viaggiare attraverso il paese per reclutare tutti i preferiti dei Muppet per una nuova pugnalata in uno show televisivo. Il film è formidabile e fantastico grazie all'ottimismo incrollabile del regista James Bobin e dello scrittore Nicholas Stoller, oltre a un paio di interpretazioni vincenti di Segal e Amy Adams.

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Eppure, personalmente, preferisco il seguito sottovalutato I Muppet più ricercati , perché mentre Segal e Adams sono via, i Muppet possono dirigere lo spettacolo. Artisti umani come Ty Burrell e Tina Fey assumono un ruolo molto più di supporto (e divertente) per i loro amici sentiti, anche nelle canzoni, ma tutto quanto sopra è ulteriormente ravvivato da un libro di canzoni ancora migliore di Bret McKenzie di Il volo delle concorde fama. Le melodie e la sensibilità ironica di Stoller traspaiono in misura ancora maggiore mentre deridono i concetti di sequel, il commercialismo di base della Disney e persino il loro pubblico. È quello concordi -esque bordo che fa cantare entrambi i film, in particolare il sequel, anche nelle scene in cui Kermit non sta scuotendo un cilindro e una coda.

Chicago

Probabilmente il film più glamour di questa lista, Chicago è stato il brindisi di Hollywood durante la sua uscita, vincendo sette delle sue 15 nomination agli Oscar, inclusa quella per il miglior film. Oggi questo è più di una nuvola poiché molti di quegli allori erano un prodotto della macchina della campagna per i premi Harvey Weinstein, ma lasciato ai suoi meriti il ​​film di Rob Marshall è ancora un superbo film musicale a sé stante. Come l'altro film è accreditato di aver riportato il musical per gli adulti dopo Mulino Rosso! , Chicago è in particolare un prodotto di quel periodo ambiguo per il genere. Presentando quasi tutte le sue canzoni come 'sequenze oniriche' o fantasie, cammina al limite della regola diagetica di questa lista, in particolare perché l'unica sequenza puramente non diagetica, 'Classe', è stata tagliata dal film finale.

Tuttavia, è un film musicale puro come quello di Bob Fosse Cabaret capolavoro del 1972, anche se lo sforzo di Marshall è un po' troppo timido nel cercare di avere entrambe le cose. Presenta fantastici numeri musicali di Kander e Ebb portati alla vita sfarzosa e squallida dalla nuova coreografia di danza di Marshall, una parabola ancora malvagiamente accurata sulla celebrità e l'infamia che sono la stessa cosa nella vita americana e un design di produzione che è elegante fino a un difetto d'ottone . Sostenuto anche da un'interpretazione meritatamente vincitrice dell'Oscar di una zoccola Catherine Zeta-Jones e da una pietosa svolta ancora più commovente (e spesso trascurata) di John C. Reilly nei panni del marito cornuto che nessuno, inclusa la sua omicida moglie, può ricordare esiste, Chicago è brillante e chic come i premi che ha inseguito.

cantare in strada

Tuttavia, se possiamo accreditare le sequenze oniriche in Chicago come stravaganze musicali ammissibili, il che significa John Carney's cantare in strada dovrebbe anche intrufolarsi a causa di un singolo momento simile (sì, ammetto che questo rasenta un imbroglio). Un racconto di formazione altrimenti tradizionale su un ragazzo irlandese innamorato di tutta la musica degli anni '80, dal punk rock al glam e al pop. cantare in strada non sta cercando di reinventare la ruota. Eppure viene da un luogo emotivo genuino per Carney, che descrive il desiderio utilitaristico di formare una band del liceo (per ottenere una ragazza), e poi l'alba risveglio alla creatività musicale che segue, meglio forse di qualsiasi altro regista prima di lui.

cantare in strada L'attenzione su un abbinamento immediatamente simpatico di Ferdia Walsh-Peelo e Lucy Boynton, e più giustamente una meticolosa ricreazione della classe operaia di Dublino negli anni '80, è un chiaro vincitore. Quando accentuato da canzoni originali scritte da nove talenti, tra cui lo stesso Carney, e cantare in strada diventa una gioiosa passeggiata nella memoria con un inferno di un gancio orecchiabile.

incantato

Come un film che anticipava il secondo Rinascimento Disney iniziato qualche anno dopo con aggrovigliato , incantato è un ibrido di musical/romcom di film Disney che è più divertente di quanto probabilmente abbia il diritto di essere. Questo è in gran parte grazie ad Amy Adams nella sua regola di creazione di star. Vivendo all'altezza del titolo, Adams offre una performance sincera e sinceramente dolce come una 'principessa Disney' che è priva di consapevolezza di sé o di qualsiasi tipo di stucchevole ironia che in seguito avrebbe continuato a tormentare molti dei progetti di principesse TV Disney come C'era una volta . incantato La premessa, che inizia con la futura principessa animata Giselle (Adams) e un bel principe (James Marsden) che fuggono in una New York in carne e ossa, è una tipica commedia di pesci fuor d'acqua che deve più di un po' a Ron Howard's spruzzi , anche se con un protagonista maschile molto meno convincente al posto di Tom Hanks.

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Comunque, incantato ha una disposizione accattivante a causa del fascino naturale di Adams, così come le canzoni che sono più che felici di prendersi gioco di se stesse mentre Adams mantiene le cose dritte. Composto da Alan Menken—metà delle squadre dietro la musica di La Sirenetta, Aladino, La Bella e la Bestia , e altro ancora: i brani hanno quella miscela degli anni '90 di Broadway e Disney nel loro DNA, facendo sì che questo sia uno dei capitoli più trascurati ma accattivanti sia nel film musicale che nei tradizionali canoni Disney.

Gli ultimi cinque anni

Forse più divisivo della maggior parte dei film in questo elenco, sono al campo che nel complesso ha apprezzato questo adattamento imperfetto ma astuto del musical Off-Broadway. Un importante allontanamento dal palco dato che i personaggi di Cathy (Anna Kendrick) e Jamie (Jeremy Jordan) non interagiscono mai effettivamente tranne che per un duetto nello spettacolo, questo film su una storia condannata tra amanti fa sicuramente il pezzo proprio. Jordan è ampio ma appassionato nel ruolo di un autore di rapido successo mentre sua moglie, che ha sposato appena uscito dal college, lotta alla ricerca di una realizzazione artistica. Le canzoni di John Robert Brown sono piene di commovente angoscia e malinconia malinconica, oltre a un certo grado di auto-razionalizzazione poiché la storia è infamemente ispirata, in parte, dal matrimonio fallito del creatore. Ma il film prende vita soprattutto quando Kendrick domina nei suoi assoli, sia che si tratti di nuovi testi gelidi che deridono la performance di Russell Crowe in miserabile o nel devastante numero di apertura in cui torna a casa e scopre che suo marito l'ha vigliaccamente lasciata tramite una nota, la musicalità di Kendrick non è mai stata utilizzata meglio sullo schermo.

Ragazze da sogno

Dopo aver scritto l'adattamento di uno dei più grandi successi musicali del suo decennio, Bill Condon ha deciso di seguirlo con uno sforzo di scrittura e regia che ha visto anche il botteghino e la celebrazione dei premi. Qui Condon si sposta da Kander e Ebb's Chicago a un adattamento dell'R&B infuso di Henry Krieger e Tom Eyen e ispirato alla Motown Ragazze da sogno . Il film finito ha segnato la più grande spinta di Beyoncé e Eddie Murphy per il riconoscimento dell'Oscar, ma ora è meglio ricordato per l'emozionante eviscerazione di Jennifer Hudson dell'obiettivo della fotocamera e del pubblico allo stesso modo durante 'And I Am Telling You'm Not Going'. È un momento giustamente iconico nel cinema musicale che ha fatto guadagnare a Hudson, un ex idolo americano concorrente, status di star immediata e una meritata statuetta dell'Oscar. È anche il culmine di un film musicale altrimenti piuttosto buono.

Liberamente ispirato alla storia di Motown atti come le Supremes e James Brown, Ragazze da sogno è una narrativa familiare di ascesa e caduta che è stata (melo)drammatizzata quanto basta per essere una finzione ancora più succosa, come si vede quando Curtis di Jamie Foxx bandisce l'Effie di Hudson dalla sua band, ignara del fatto che sta portando in grembo suo figlio, il tutto mentre fa una storia d'amore la più diffusa (cioè bianca) Deena Jones (Beyoncé). È un ambiente ricco di note alte per molte canzoni che hanno ancora pungiglione, tutte presentate in montaggi quasi infiniti che potrebbero essere troppo lucidi per metà, ma rimangono sempre così invitanti.

Nel bosco

Il primo di quella che sembra essere almeno una trilogia di musical per la Mouse House di Rob Marshall è iniziata con questo adattamento di Stephen Sondheim. Segnando il secondo trasferimento di successo della musicalità di Sondheim sul grande schermo, l'immagine ha incontrato uno scetticismo iniziale sul fatto che la Disney avrebbe minimizzato l'ambiguità morale dei suoi testi e, ad essere onesti, Nel bosco fa marcia indietro su alcuni dei pezzi più cupi. Eppure, quando presenta ancora un Johnny Depp feroce che brama una bambina, è giusto dire che l'adattamento è stato in grado di trovare una buona dose di via di mezzo.

Questo film, tuttavia, appartiene veramente a Meryl Streep. Essendo apparso in precedenza in diversi grandi quasi-musical come Un compagno di casa della prateria , e uno schifoso ma di grande successo in Mamma Mia! , Streep si è visibilmente divertito a interpretare la presunta strega cattiva del pezzo. Eppure è così malvagio sottolineare ai molti protagonisti del film che non sono brave persone quando fingono solo di comportarsi in modo 'carino?' Con una musica che rispecchia quella di 'Teddy Bears' Picnic' di John Walter Bratton e Jimmy Kennedy e un cast di stelle che si diverte a suonare, Nel bosco è una produzione sontuosa con belle melodie e relatività morale ingannevolmente sfumata. È anche il film che ha portato alla consapevolezza pubblica che Emily Blunt è una cantante eccezionale. Ne parleremo più avanti...

Lacca per capelli

Dato che Broadway insegue sempre più scommesse sicure con adattamenti musicali di film già popolari e proprietà preesistenti, è probabile che vedremo più di queste imprese autorealizzanti di IP mutante. Mel Brooks notoriamente ha trasformato la sua commedia classica a spese di Broadway, I produttori , in un grande spettacolo di Broadway (e poi in un non eccezionale remake di un musical), e Lacca per capelli seguì lo schema con risultati sorprendentemente più efficaci quando la sua terza fase del trittico fu completata. Un adattamento dello spettacolo di Broadway di Marc Shaiman e Scott Wittman, che era a sua volta un adattamento di un film non musicale del 1988 di John Waters, 2007 Lacca per capelli è una commedia per adolescenti straordinariamente efficace con alcuni orecchi orecchiabili.

Ambientato nella Baltimora degli anni '60, il film è la storia di Tracy Turnblad (Nikki Blonsky) che impara ad accettare se stessa trovando un successo imprevisto in una gara di ballo locale per adolescenti. Diventa anche un improbabile leader di una lotta per i diritti civili in una sottotrama del salvatore bianco che è invecchiata incredibilmente male.

Tuttavia, il film è probabilmente meglio ricordato per l'accattivante e accattivante svolta di John Travolta nei panni della madre di Tracy, Edna. Dato che sta prendendo il posto della vera leggenda della drag queen Divine dal film originale, c'erano alcune sopracciglia comprensibilmente sollevate per il casting di Travolta nella comunità LGBTQ, ma nel vuoto del film, l'ex Grasso la star è nel suo elemento di formaggio e un lato di prosciutto. Gioca anche bene con Christopher Walken come marito di Edna. Insieme a Michelle Pfeiffer, la vecchia generazione lascia molto poco dello scenario non masticato per le apparenti star del pezzo, che includono anche Zac Efron, Brittany Snow e Amanda Bynes. Ma è tutto abbastanza discutibile quando le canzoni sono irresistibili come 'You Can't Stop the Beat'. È frivolo, ma è una frivolezza dannatamente divertente.

Il ritorno di Mary Poppins

In definitiva meno di un sequel a tutti gli effetti di quanto non sia un remake sciolto del classico del 1964 con Julie Andrews, non c'è troppo originale in questa Mary. Ma ehi, ha funzionato per Il Risveglio della Forza , e funziona anche qui . Il più grande complimento che possiamo fare è che Emily Blunt fa l'apparentemente impossibile ed è in grado di calarsi nei panni di Julie Andrews con una voce leggermente meno impressionante, ma una disposizione altrettanto disarmante. La sua Mary è allo stesso tempo più vanitosa e più amichevole di quella di Andrews, e fa suo lo schermo, specialmente quando è in una canzone, e ancora di più quando quella canzone è un duetto con Jack di Lin-Manuel Miranda. I due sono come un atto di Vaudeville sullo schermo, anche durante una vera canzoncina Vaudevillian, portando un entusiasmo così effervescente che è impossibile non sorridere, anche se il tuo cervello nota che hai già visto tutti questi ritmi della storia prima, e con canzoni molto migliori l'ultima volta, a quello.

https://www.youtube.com/watch?v=86lczf7Bou8

I Miserabili

Il musical con uno dei momenti più belli del suo genere mai messo su celluloide (ahimè, povera Fantine, ti conoscevamo a malapena!) e alcuni dei peggiori (oh, Javert, sappiamo che canti troppo bene!), l'adattamento di Tom Hooper di miserabile è sicuramente un miscuglio. Avendo il non invidiabile compito di adattare un'epopea tentacolare di teatro musicale, che a sua volta si basa su un romanzo di Victor Hugo ancora più tentacolare e prolisso, Hooper fa uno sforzo erculeo per sposare la grinta di quel testo con la grandezza di uno dei più ricchi libri di canzoni in storia.

E a dire il vero, la musica di Claude-Michel Schönberg vola ancora, in particolare quando la macchina da presa su trampoli di Hooper può sfuggire. Il film è quindi un investimento utile a causa della diffusione di quelle melodie e della sordida storia di Hugo su un ex detenuto di nome Jean Valjean (Hugh Jackman) perseguitato per decenni dalla legge, incarnata qui dall'ispettore assolutista Javert (Russell Crowe) . Jackman è bravo nei panni del detenuto nobile e perseguitato che ha visto la luce nella spietata Francia post-napoleonica, e Crowe fa un figurone nei panni di Javert quando non canta... sfortunatamente per lui, il film è quasi un canto da parete a parete . Il suo problema più grande, tuttavia, è che nonostante tutta la verosimiglianza che Hooper aggiunge in modo impressionante insistendo sul 'cantare dal vivo', la sua direzione spesso mina la qualità epocale della musica e delle emozioni, in particolare durante una resa diluita di 'One Day More', l'altrimenti clamoroso del palcoscenico.

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Ma il suo asso nella manica è Anne Hathaway nei panni di Fantine. Mentre altri primi piani lunghi e ininterrotti possono sembrare, beh, scenici, il grande numero solista di Fantine - abilmente spostato nel momento più basso della sua breve vita dopo che ha venduto i capelli, i denti e infine il suo corpo per trovare soldi per suo figlio - è un tour de force di miseria e sconfitta che schiacciano l'anima. Cantando dal vivo e con una telecamera che le tocca praticamente il bulbo oculare, Hathaway si guadagna l'Oscar facendo piangere qualsiasi spettatore dalla mentalità aperta. Eleva anche uno dei tanti trasferimenti irregolari da Broadway a Hollywood di questa era in qualcosa di crudo e speciale.

Il più grande showman

Ad essere sincero, non sono un fan di questo film, come Confermo nella mia recensione . È sdolcinato, manipolativo e troppo distratto dall'agitare vigorosamente la sua bandiera del Sveglia per perseguire qualsiasi conflitto significativo. Tuttavia, ce ne sono altri sul nostro sito che sono convinti del suo fascino , e merita sicuramente un riconoscimento in quanto si è collegato a un pubblico enorme, più grande a livello nazionale di qualsiasi altro film in questa lista per la somma di $ 174 milioni. La sua sceneggiatura potrebbe vantarsi che è perché è una celebrazione dell'umanità, ma sospetto che potrebbe avere a che fare con la sua semplicistica (ma ben intenzionata) interpretazione dell'inclusività e alcune melodie davvero perfette per la Top 40.

Con canzoni di Benji Pasek e Justin Paul, il team dietro Caro Evan Hansen , ogni verso sembra progettato per essere un inno di artisti del calibro di Lady Gaga, Katy Perry, o nel pezzo più pieno di sentimento del film ('Never Enough'), forse Adele. E ad essere onesti, le canzoni sono migliori di gran parte del pop mainstream che emula, e così è Hugh Jackman come MC vincente. Il suo fascino naturale e il suo carisma tengono insieme una storia costruita su cliché e cartone, e le canzoni inevitabilmente ipnotizzanti, così come alcune spettacolari coreografie di danza, ne hanno fatto una pietra miliare culturale per la prossima generazione. Non è così ispirato o visionario come il similmente anacronistico Mulino Rosso! -ed esso così vuole essere, ma è un grande successo musicale non basato su uno spettacolo di Broadway preesistente o su un catalogo di amati successi in classifica. È la prova finale che il musical è tornato e non hai bisogno di IP o Oscar per competere. Questo è degno di una punta di cappello sul vecchio elefante.

Quindi ci sono i migliori musical del 21° secolo (finora). Ci siamo persi qualcuno? Ci sono forse dei thread fantasma che abbiamo ignorato, o uno spazio lassù lasciato in affitto? Fatecelo sapere nella sezione commenti qui sotto!

David Crow è l'editor della sezione cinematografica di Den of Geek. È anche membro della Online Film Critics Society. Leggi di più sul suo lavoro qui . Puoi seguirlo su Twitter @DCrowsNest .