Ripensando alla trilogia dei dollari di Sergio Leone

Howard Hawks, uno dei registi occidentali di maggior successo di tutti i tempi e un'influenza chiave su Sergio Leone, una volta disse che un grande film può essere definito come uno con 'tre grandi scene, e nessuna brutta'. Ci possono essere pochi registi che hanno capito il potere delle grandi scene così fortemente come Leone, il regista del dollari trilogia e di fatto il padrino dello spaghetti western.

Alcuni potrebbero obiettare che la sua enfasi sui grandi momenti individuali era a suo danno, poiché le trame cariche di MacGuffin dei suoi film sembrano esistere principalmente come dispositivi su cui può appendere le sue elaborate scene, e sono state successivamente etichettate come esercizi di puro stile. Mentre i meriti artistici e intellettuali dei tre film sono in discussione, la loro influenza sui film moderni, in particolare nel genere d'azione, non lo è, con legioni di registi in debito con Leone fino ad oggi.

Non ultimo di questi è Quentin Tarantino, che cita Il buono il brutto e il cattivo come il suo film preferito di tutti i tempi, e con il recente Django Unchained ha scritto una sfacciata lettera d'amore a un genere di spaghetti western che Leone ha reso popolare e probabilmente inventato con questi film.



I primi anni '60 videro il western americano in uno stato di declino: Hawks, insieme a John Ford, era stato una delle figure chiave dell'età d'oro del western, il periodo che durò tra gli anni '30 e la metà degli anni '50 e vide l'uscita dei classici ad esempio Stagecoach, Red River, My Darling Clementine, Shane e I ricercatori . La coppia era riuscita a infondere al genere tradizionalmente polposo una complessità morale e psicologica mai vista prima, oltre a fornire un commento sociale e culturale ingannevolmente ricco sul periodo.

Tuttavia, mentre questi due erano ancora in grado di produrre lo strano capolavoro (vedi Hawks's Fiume Bravo nel 1959 e di Ford L'uomo che ha sparato a Liberty Valance nel 1962), il genere nel suo insieme era sceso nell'auto-parodia e ristagnato, ed era stato in gran parte cancellato sia dalla critica che come interpreti affidabili al botteghino.

All'inizio degli anni '60, il western era stato sostituito nell'immaginazione del pubblico da epiche storiche ad alto budget come Ben-Hur, I dieci comandamenti, e Spartaco , e l'industria cinematografica italiana di genere – mai quella che lascia sfuggire una tendenza inutilizzata – ha incassato con una serie di film spada e sandali, con protagonisti un gruppo di attori di film di serie B americani e culturisti.

Leone aveva diretto una voce insignificante in questo genere - Gli ultimi giorni di Pompei, con Steve Reeves, ma in quanto appassionato di storia con un'ossessione per tutta la vita per il West americano, desiderava ardentemente creare il proprio western. Credeva che ci fosse ancora un pubblico per loro, certamente in Europa: i primi western europei erano già stati prodotti da finanziatori tedeschi e avevano avuto un successo modesto anche se insignificante. Tuttavia, Leone si rese conto che i western americani dell'ultimo periodo avevano sofferto di essere troppo lucidi, cliché e eccessivamente predicatori: la sua idea di Un pugno di dollari era cercare di coniugare i tropi e l'iconografia del western americano con lo stile più immediato e schietto del cinema italiano del periodo.

Che Leone non solo ci sia riuscito, ma è anche riuscito a creare una vera pietra miliare della cultura pop nel processo, è stato ovviamente in gran parte dovuto alle sue fenomenali capacità di regista: tuttavia, va notato che è stato anche molto fortunato. Pugno – e, per procura, la successiva popolarità del genere Spaghetti Western – è stata anche sostenuta da una tempestiva convergenza di talenti, che operavano tutti al top del loro gioco.

Il primo colpo da maestro di Leone è stato assumere Clint Eastwood, a quel punto una star televisiva in pelle grezza ma ancora per fare qualsiasi film di nota. Frustrato dalla riluttanza di Hollywood a scegliere un attore che 'la gente poteva vedere a casa gratuitamente', Eastwood è andato in Europa per le stesse ragioni per cui gli attori americani si sono recati lì per i film di spada e sandali e il successivo polizioschetti (polizia-azione): gli Stati Uniti avevano quasi rinunciato a lui. Fu pagato solo $ 15.000 per il lavoro, ma il viaggio gli offrì anche un ruolo da protagonista in buona fede e, come disse in seguito Eastwood, 'almeno ho fatto un viaggio in Spagna' (i film sono stati prodotti da italiani ma girati in Spagna deserto, che costa una frazione del prezzo).

L'approccio di Eastwood alla recitazione era perfetto per lo stile che Leone aveva in mente per il suo nuovo western. Una presenza flemmatica, Eastwood ha fatto affidamento su un'economia di movimento che si estendeva anche al suo dialogo: secondo quanto riferito, l'attore ha spesso chiesto a Leone di avere meno battute nei film. L'attore è stato anche responsabile della creazione da zero dell'iconico costume del suo personaggio, combinando il proprio guardaroba con oggetti di scena liberati dal set di Rawhide e dal famoso poncho, scoperto in un negozio spagnolo. Poi c'era quel viso: scosceso e stanco anche a 34 anni, era il soggetto ideale per i regolari primi piani estremi di Leone. Quello che mancava in espressività (Leone in seguito disse che Eastwood aveva solo due espressioni: con il cappello e senza) lo compensava in gravità e tranquilla minaccia.

Guardando indietro, è difficile dire quanto dello stile distintivo di Leone sia stato deliberatamente progettato da lui e quanto stesse semplicemente reagendo alle sue risorse e al suo ambiente. Ad esempio, la sua tecnica tanto celebrata di usare musica, primi piani del viso e lunghi periodi di silenzio per raccontare una storia piuttosto che un dialogo potrebbe essere stata effettivamente il risultato delle condizioni uniche di un set cinematografico italiano: come il dialogo multilingue degli attori sarebbero stati comunque tutti doppiati in post-produzione, le riprese di spaghetti western erano spesso accompagnate dal suono della troupe che chiacchierava e batteva sull'attrezzatura (ironicamente, dato l'uso del silenzio da parte di Leone), con grande costernazione degli attori americani usati al pacato rispetto dei set cinematografici di Hollywood.

L'attenzione del regista al suono ambientale, alla musica e all'azione violenta per raccontare una storia ha portato molti critici a etichettare lo stile di Leone come 'operistico'; si dimostrò anche una tecnica superba per ingegnerizzare la tensione, oltre a sostenere l'atmosfera di brizzolato machismo monosillabico che Leone stava cercando. Ha accuratamente e forse inavvertitamente riassunto il suo atteggiamento nei confronti della narrazione con la famosa battuta di Tuco in Il buono il brutto e il cattivo : “Se hai intenzione di sparare, spara. Non parlare.'

Non sorprende inoltre che la musica svolga un ruolo così importante nella trilogia di Dollars se si considera che Leone aveva a disposizione uno dei migliori compositori di film di tutti i tempi in Ennio Morricone. La sua musica innovativa e surreale nasce anche da vincoli: non potendo permettersi un'orchestra completa, non sarebbe stato in grado di replicare la grandiosa ampiezza delle classiche partiture western anche se avesse voluto. Invece, i punteggi per il dollari trilogy sono un mix psichedelico di fischi, schiocchi di frusta, trombe, lamenti, colpi di pistola e, soprattutto, la nuova chitarra Fender.

La chitarra anacronistica non è solo usata brillantemente, ma è servita anche a dislocare la visione dell'Occidente di Leone da quelle che l'avevano preceduta, collocandola saldamente in un'America esilarante, influenzata dal pop e dall'universo alternativo interamente dell'immaginazione di Leone. La musica di Morricone è parte integrante di tutti e tre i film della trilogia: a volte funge da punteggiatura ironica, come nel modo in cui l'iconico 'Ay-iy-ay-iy-ah!' interrompe l'ultima maledizione di Blondie di Eli Wallach in Il bene, Il brutto e il cattivo. In altri punti, diventa una parte fondamentale della narrazione, come il motivo lugubre dell'orologio da tasca che suona in Per pochi dollari in più. L'importanza delle composizioni di Morricone è sottolineata dal fatto che Leone, a cominciare da Per pochi dollari in più, chiederebbe a Morricone di scrivere la musica prima di girare e poi dirigerebbe la sua musica sul set.

La sua ossessione per i volti, inoltre, è comprensibile dato il suo accesso ad alcuni dei volti più straordinari del cinema - con le caratteristiche distintive di Eastwood, Lee Van Cleef, Eli Wallach, Gian Maria Volonté e persino Klaus Kinski a portata di mano, non c'è da meravigliarsi se presenta loro in così amorevoli dettagli. I primi piani di Leone sono più di semplici scatti di reazione: la combinazione dei volti, il suo uso insolito dello spazio all'interno dell'inquadratura e lo sfondo del paesaggio spagnolo dall'aspetto alieno conferiscono alle sue immagini una qualità surreale e pittorica che serve solo ad aggiungere al atmosfera ultraterrena.

Uno degli aspetti più noti della trilogia è la violenza: una reazione se non una vera e propria parodia del Polyanna Western di fine anni Cinquanta, Leone trasformò lo stereotipo del cowboy pulito in un solitario sporco, con la barba lunga e moralmente ambiguo. Ha sostenuto: 'L'Occidente è stato creato da uomini violenti e semplici, ed è questa forza e semplicità che cerco di catturare nelle mie immagini'. Il paesaggio occidentale è stato reimmaginato come un selvaggio campo di battaglia in cui le uniche regole erano diventare ricchi ed essere più subdoli del proprio avversario, esplodendo il mito della nobile frontiera in una pioggia di sangue e proiettili che è stata anche tagliata con (a volte letteralmente) umorismo forca.

Molti si sono opposti a questa interpretazione della recente storia americana, con David Thomson che ha detto: 'Penso che Leone disprezzasse davvero il western... non ci sentiamo mai in America o con persone che pensano in americano. Prende in giro la stessa mitologia e ossessione che sono alla base dell'arte cinematografica', ma Leone ha sostenuto più tardi nella sua vita che i film non erano intesi come archi ma un riflesso genuino dei suoi sentimenti verso il paese, sostenendo: 'Non riesco a vedere l'America in altro modo che con gli occhi di un europeo, ovviamente; mi affascina e mi terrorizza allo stesso tempo”.

Va detto che Leone, pur essendo un innovatore sotto molti aspetti, ha iniziato a girare la palla con una spudorata fregatura: Un pugno di dollari non era tanto un 'remake non ufficiale' del film d'azione sui samurai di Akira Kurosawa Yojimbo , come una versione rivisitata dello stesso film, sostituendo i clan in guerra nel Giappone feudale con famiglie in guerra in una città di confine messicana. Leone ha respinto le accuse di plagio cinematografico dicendo che Yojimbo era stato influenzato dal romanzo noir di Dashiell Hammet Raccolto Rosso, e quello Raccolto Rosso a sua volta era stato influenzato dalla commedia italiana Un servo di due padroni.

Guardare entrambi i film significa rendersi conto che Leone era più che un po' malizioso e disinvolto qui - mentre ci sono chiare somiglianze tra tutti e tre, scene intere e battute in Pugno sono sollevati da Yojimbo . Kurosawa in seguito ha scherzato dicendo che Leone aveva 'fatto un grande film, ma era il mio film'. Tuttavia, Kurosawa ha ammesso liberamente che Yojimbo era stato influenzato dai western classici, quindi forse c'era qualcosa nell'affermazione di Leone che stava riportando la storia 'a casa', anche se si riferiva al romanzo di Hammett e non al genere occidentale nel suo insieme.

Usando Yojimbo come punto di partenza, Leone ha scoperto che l'aggiunta dei paesaggi widescreen dei suoi amati western di John Ford, così come la musica di Morricone e il volto di Eastwood hanno portato a una potente miscela che si è rivelata un grande successo con il pubblico. Pugno è comodamente il più snello della trilogia, il film d'azione più essenziale e diretto del gruppo, ma quasi tutti i marchi di fabbrica più riconoscibili di Leone - i primi piani, la violenza, il silenzio - sono già presenti e corretti qui, e più che uno degli altri tre film, tracce di Fistful's Il DNA può essere trovato in quasi tutti i film d'azione realizzati da allora.

Il film ha riscosso un enorme successo in Europa al momento dell'uscita, distinguendosi immediatamente come qualcosa di speciale guardando a un milione di miglia di distanza dai western 'economici' che erano arrivati ​​a caratterizzare il genere, in particolare al di fuori dell'America. Sebbene fosse ancora realizzato per un budget ridotto ($ 200.000), l'abile adozione da parte di Leone dello stile registico di Kurosawa e il suo occhio per utilizzare la campagna spagnola al massimo delle sue potenzialità hanno reso il film epico nonostante le sue risorse limitate.

Desideroso di realizzare rapidamente un sequel, Leone ha cercato di coinvolgere Eastwood subito dopo la fine della produzione Pugno ; riluttante a impegnarsi fino a quando non avesse visto il film finito, Leone organizzò la proiezione di una copia in lingua italiana a Eastwood e a un gruppo di suoi amici, ai quali tentò di minimizzare i meriti del film nel tentativo di gestire le loro aspettative. Tuttavia, la proiezione è stata un enorme successo: nonostante il pubblico non parlasse italiano, l'approccio stilistico, a basso dialogo e ad azione pesante di Leone lo ha reso irrilevante, con uno sbalordito Eastwood che ha osservato che il pubblico 'si è divertito tanto come se avesse stato in inglese”. Poco dopo la proiezione, Eastwood ha contattato il suo agente e gli ha detto che gli sarebbe piaciuto 'lavorare di nuovo con quel regista'.

Per pochi dollari in più è spesso trascurato nella trilogia, goffamente inserito tra il film originale e il più noto, ma è un film straordinario a sé stante – il regista Alex Cox, uno dei massimi esperti mondiali del genere, lo definisce il suo spaghetti western preferito di tutti. Racchiude probabilmente il pugno emotivo più efficace di tutti i film e introduce un tono più elegiaco e triste che il regista avrebbe poi sostenuto per tutto il Il buono il brutto e il cattivo e C'era una volta nel West. La trama vede L'uomo senza nome (questo era in realtà un espediente di marketing - il personaggio di Eastwood ha un nome in tutti e tre i film. Qui è Manco) in realtà passa in secondo piano per gran parte del film rispetto a Lee Van Cleef, come il diretto cacciatore di taglie in una missione di vendetta che si rivela davvero commovente.

Ancora meglio di Van Cleef e Eastwood è Gian Maria Volente, che come in Fistful interpreta brillantemente il ripugnante cattivo, ma questa volta aggiunge un'inconfondibile aria di tragedia che bilancia il suo masticare scenari. A Volente è stata offerta una serie di lavori cinematografici di alto profilo dopo Per pochi dollari in più, compreso il ruolo di Wallach in Il buono il brutto e il cattivo, ma sarebbe arrivato a rifiutare qualsiasi ruolo che non fosse in sintonia con le sue opinioni politiche apertamente comuniste, e ha scelto di recitare nel più radicale proiettile per il generale anziché.

Per pochi dollari in più vede anche Leone crescere davvero in sicurezza come regista - mentre c'è la sensazione che fosse in piedi sulle spalle di Kurosawa con Pugno , qui affina il suo stile in qualcosa che è più riconoscibile come il suo: più primi piani, una composizione straordinaria, uno dei migliori usi della musica nella trilogia con il motivo dell'orologio da tasca e alcuni dei suoi migliori pezzi: Il primo incontro di Van Cleef e Eastwood, in cui si dimostrano reciprocamente il loro valore sparandosi ripetutamente e in modo elaborato, è una delle scene migliori e più divertenti di Leone.

Tuttavia, il film più noto di Leone rimane Il buono il brutto e il cattivo, la storia di una caccia all'oro confederato rubato sullo sfondo della guerra civile americana. Il film è stato un fenomeno globale al momento dell'uscita nel 1966, in gran parte grazie alla musica a tema di Ennio Morricone, che ha conquistato tutto il mondo, che ha scalato le classifiche di tutto il mondo ed è diventata rapidamente uno dei brani musicali più immediatamente riconoscibili di qualsiasi genere. E 'stato anche rilasciato come il genere spaghetti western doveva raggiungere l'apice del suo successo, con altri registi che hanno preso il modello di Leone e l'hanno seguito: il 1966 ha visto anche l'uscita di film seminali come Sergio Corbucci di Django e di Sergio Sollima La grande sparatoria . I critici che erano stati notoriamente sprezzanti nei confronti degli spaghetti western stavano cominciando a sedersi e prendere atto, e il film di Leone era certamente uno che si rivelava difficile da ignorare.

Leone dirige Il bene… come se fosse l'ultimo film che farà (anche se C'era una volta nel West è ancora probabilmente la sua dichiarazione decisiva sul western) e sfrutta un budget recentemente aumentato dagli investitori americani per creare una vera epopea sul grande schermo. Ancora una volta basandosi sui progressi che aveva fatto con i suoi film precedenti, Il bene… è più grande e migliore di tutto ciò che lo ha preceduto: Eastwood e Van Cleef, entrambi ora più che a loro agio nell'universo di Leone, tornano entrambi rispettivamente come 'The Good' e 'The Bad', ed Eli Wallach aggiunge una gradita esplosione di energia comica e maniacale a procedimenti come Tuco ('Il brutto').

'L'uomo senza nome' (Blondie) è più complesso e interessante qui che in qualsiasi altro punto della trilogia: mentre è felice di abbandonare e abusare ripetutamente dell'inaffidabile Tuco, è anche probabilmente al suo massimo compassione, in particolare nell'esteso Sequenza della guerra civile in cui si ferma per trascorrere del tempo con un soldato confederato morente. Blondie anche insolitamente ritiene opportuno filosofare apertamente a un certo punto, sospirando stancamente: 'Non ho mai visto così tanti uomini sprecati così male', mentre guardava una battaglia che si svolgeva. Persino qualcuno abituato alla brutalità dell'Occidente come il fuorilegge di Eastwood, una figura che ha prosperato attivamente da essa, viene mostrato esitare davanti alla vastità della morte coinvolta nella guerra su questo tipo di scala.

Leone concepì il film come uno che avrebbe mostrato l''imbecillità' e l''assurdità' della guerra, e fece arrabbiare i critici descrivendo le morti in un campo dell'Unione, in contrasto con i resoconti politicamente accettabili delle atrocità nei campi del sud. Ancora una volta Leone si ribellava alla saggezza ricevuta, più che consapevole che i libri di storia sono scritti dai vincitori. Nonostante la sua reputazione di contorcere la storia dell'Occidente ai propri fini, Il bene… è ora considerato dagli esperti come una delle rappresentazioni storicamente più accurate del conflitto mai viste sullo schermo.

Il motivo per cui il film rimane così popolare (è costantemente tra i primi cinque film di tutti i tempi nella top 250 di IMDB) è dovuto a quegli incredibili set: è il film di tre ore più corto mai realizzato, con una scena dopo l'altra incredibile , scene che rimangono impresse nella memoria di tutti coloro che le hanno viste ma restano emozionanti dopo infinite visioni. Ci sono le presentazioni perfette di tutti e tre i principali attori, Tuco e il venditore di armi, il processo di Blondie nel deserto, il clic-clac degli speroni che informano Blondie al tentativo di successo di Tuco e l'intera sequenza della Guerra Civile, che come Roger Ebert note è “praticamente un film a sé stante”.

Tutto culmina con il set definitivo di Leone, uno stallo messicano a tre che funge da culmine del film, della trilogia, della carriera di Leone e del genere Spaghetti Western fino a quel momento. È tutto qui: la musica intoccabile di Morricone, la splendida fotografia di paesaggi, quei volti incredibili, il montaggio perfettamente giudicato, l'ossessiva attenzione ai dettagli di Leone e la sua impareggiabile capacità di utilizzare ogni centimetro dell'inquadratura. È la scena migliore di un regista specializzato in grandi scene, 10 minuti di pura perfezione cinematografica.

Se fosse stata l'ultima parola di Leone nel genere sarebbe stata una degna conclusione, ma il regista avrebbe anche diretto il suo film più acclamato dalla critica C'era una volta nel West e il sottovalutato Duck you sucker! alias Un pugno di dinamite. C'era una volta… potrebbe anche averci costretto a considerare i film come una quadrilogia, se Eastwood avesse accettato di interpretare il ruolo di Armonica di Charles Bronson come originariamente previsto, ma l'attore era sfinito dall'infinito perfezionismo di Leone su Il bene… e la sua personalità, a quanto si dice, un po' brusca, e così è tornato a una lunga carriera come una delle icone più durature di Hollywood.

Tuttavia, C'era una volta… sembra molto più sfacciato e appuntito nel suo eco dei classici western americani, e di conseguenza il dollari la trilogia sembra ancora una cosa a sé stante. Si erge come uno dei pezzi più importanti della cultura pop del secolo scorso, uno stupefacente corpus di opere che nel suo guazzabuglio di influenze si sente senza tempo, senza luogo, senza età: sono film ambientati nel West americano nel 1800, girati in La Spagna degli anni '60 da parte di un italiano che fregava i giapponesi.

Questo forse è il motivo per cui non si sentono affatto datati, anche se forse è anche perché così tanti film hanno imparato e mutuato dai loro ritmi negli anni successivi. È senza dubbio una delle più grandi trilogie di tutti i tempi, e mentre Howard Hawks non è mai andato sul disco con i suoi pensieri sul lavoro di Leone, secondo la sua stessa massima si sarebbe pensato che alla fine avrebbe approvato il dollari film: tre grandi film e nessuno cattivo.

Django Unchained è ora nei cinema del Regno Unito.

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